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Reseña: The New Abnormal de The Strokes Parte 2

En esta nota seguimos analizando el disco The New Abnormal de The Strokes, que marcó un punto importante al ser el mejor álbum del 2020.

Tiempo de lectura: 10 minutos

Escrito por New Comic Age el 13/04/2022

The New Abnormal es un disco que ha dado mucho que hablar, siendo un regreso triunfal de la banda de NY en lo crítico y en lo popular.

En la primera parte de esta nota, ya hemos analizado track por track de algunas de las canciones de este álbum, y a continuación hablaremos de las canciones que faltan, del significado de la portada y su título, entre otras cosas.

Sin más preámbulo, pasamos con la quinta canción del disco producido por el ganador de Grammys, Rick Rubin.

Eternal Summer

Esta es la canción donde más se ve la versatilidad de Julian, ya que principalmente está cantada en falsetes, y cuando no lo hace, son gritos muy rasposos los que lideran. Eternal Summer es el tema más largo del disco, durando más de seis minutos.

Entre los sonidos de producción y el juguetón bajo de Nikolai, se evoca un ambiente de fantasía, un mundo que parece moverse como las olas, trayendo de alguna forma un color amarillo que abraza melancolía y caos. Desde el primer coro, aparecen unas guitarras disonantes, que para el segundo coro toman toda la escena de la instrumentación.

Desde ahí comienza un caos de sonido, entre el teclado, la batería y otros, para ir aumentando y aumentando. Si bien este caos es preciosamente agridulce, dura más de lo debido. Se puede volver algo pesado, ya que dura casi dos minutos.

Posteriormente, la voz se ve afectada con un vocoder y va disminuyendo su volumen hasta desaparecer.

En uno de los vídeos del disco, la banda se viste muy formal y baja unas escaleras, así como en Your Mother Should Know de The Bealtes

Sobre la letra, poco se sabe realmente de qué va. Algunos teorizan que habla sobre el calentamiento global, pues se menciona que el verano eterno está por venir, que nada lo detendrá. Que “ellos” (refiriéndose tal vez a los ricos empresarios) tienen el remedio de la situación, pero no sucederá nada para que funcione.

Esta canción sin dudas es un reto a la hora de presentarse en vivo, ya que es muy desgastante para el vocalista, pero aun así se ha logrado tocar. Por ejemplo, en el Lollapalooza de Argentina, fue uno de los momentos más bajos de la banda, desafinando el cantante con las notas altas y viéndose desganado.

Sin embargo, en la ya mencionada presentación de Chile, fue todo lo contrario. Fue un deslumbre musical absolutamente grato de oír.

At The Door

Aquí tenemos el primer bache del disco. La playlist venía impecable, pero At The Door se queda corta en comparación. Esta canción se puede catalogar en el género synthpop, ya que depende de muchos sintetizadores y sonidos de producción para existir. Poco hay de una tradicional banda de rock.

El tema tiene unos arreglos preciosos junto a unos coros angelicales que hacen pensar en el espacio, a lo Vangelis. Es magia a través del tiempo, poder en la voz que suena de fondo muy despacio en los últimos segundos, es Julian y compañía que ya no tienen veinte años.

Ya ha pasado mucho tiempo desde que empezaron el rock alocado e irreverente, ya son hombres que han vivido toda una vida en escenarios y fiestas, ya no tienen la energía de antes, ni las mismas preocupaciones.

vídeo oficial de la canción, que tiene diferentes tipos de estética en su animación

Luego de dos o más escuchas a la canción es fácil agarrarle un gusto casi tan apasionado como al resto de canciones. Es interesante hacer un contraste sobre las notas iniciales, pesadas y sueltas, con las últimas, unidas y suaves, para ver como el tema se transforma. Pareciera que a través de la canción, los músicos van soltando sus problemas y preocupaciones.

Esta fue la primera canción presentada como single para promocionar el álbum.

Why Are Sundays So Depressing

Pasamos a una de las canciones más adictivas del disco. Quizás la favorita de quien escribe (aunque realmente está difícil elegir, ¿no?). El hablante lírico cuenta que ha perdido a sus amigos, que su pareja le ha abandonado, que todo parece ir mal, pero siente una terrible atracción (muy picante y juvenil) hacia una persona en especial, aunque la rola se presenta como alegre.

La canción destaca principalmente por las guitarras, que entre estrofas mantienen un sonido entretenido y enérgico. Otro factor relevante es que en los coros, nace una tensión creada por sintetizadores que parecieran competir con las guitarras para saber quién logra la parte más disonante.

I want your time

Don´t ask me questions

That you don´t want

The answers to

Letras del coro

En el final de la canción, hay un solo ultramente adictivo que pareciera resumir perfectamente todos los sentimientos que quiere transmitir la canción. Parece que es medio día, que las cosas ya están saliendo mal pero esperas que mejoren. Con gritos a ratos y varias secciones diferentes, Why Are Sundays So Depressing se corona como uno de los puntos más altos del álbum.

Not the same anymore

Esta canción es la canción que seguramente querrás skipear. Es la más (y quizás única) pobre del disco. El problema de ella es que pareciera que sus rimas son de lo más simple, con Julian hablando para sí mismo que cantando, con el bajo que poco y nada se escucha, y la canción es más pesada de lo que debería.

Las guitarras dan entre los versos varias notas que generan un ambiente onírico parecido al de la canción I´m Losing You de John Lennon, siendo de pocas notas pero que con metodología de producción logran atrapar y ser diferentes.

Ya en el tercer minuto de la canción, hay un pequeño solo de guitarra que suena espectacular, y da entrada a otra estrofa de lo más agudo a los susurros.

La última estrofa no es muy diferente de las anteriores, pero es realmente interesante ya que está casi entera, gritada. Es el punto donde más hay sentimiento en la canción, para luego pasar a un reiterativo e interminable solo de casi 2 minutos.

Ode To The Mets

Y llegamos a la última canción del disco. Hasta ahora The Strokes nos ha mostrado variedad en estilos, en arreglos y voces, que es justamente lo que veremos en esta canción, que es un cierre perfecto para el álbum.

La canción parte con un sintetizador al que se le suma una guitarra haciendo una base, de la que una melodía nace. Casi al minuto de iniciada la voz aparece, pareciendo tener un tono delicado. Poco a poco se van sumando más instrumentos.

Hasta que luego de terminada la primera estrofa, Julian le pide a Fabrizio que se sume con la batería. Este momento ha sido muy carismático para los fanáticos, siendo replicado en las presentaciones en vivo de la banda. A veces más sutil, otras con más energía, lo que importa es que la petición de estudio quedó grabada y quedó en el corazón de la fanaticada.

Vuelvan a Chile por favor

Este tema es uno de los más melancólicos del disco, con una canción con pequeña reverberación, guitarras que atacan entre coros y estrofas, gritos que muestran cansancio y letras que hablan sobre el pasado.

Para la tercera estrofa, el hablante lírico y los acompañamientos dicen que ya todo está por terminar, que ya nada queda y que el perdón es largo para las cosas viejas. Es un cierre magistral, tanto para el disco como para algunas presentaciones en vivo.

Realmente es difícil entrar en detalle para recomendar esta canción, ya que es una experiencia por sí misma. Es un viaje caótico, depresivo y catártico que el hablante lírico expresa y transmite a quien escucha. Con gran facilidad puede ser catalogada como una de las mejores canciones de la banda y un clásico del rock indie.

La portada

La imagen de portada del álbum es una obra de Jean-Michel Basquiat, titulada “Bird On Money”. Se dice que la banda escogió esta obra primeramente por el lugar donde vivió el pintor, New York, la misma ciudad de donde la agrupación es oriunda.

El cuadro representa a Basquiat con su estilo característico, rebelde, caótico e improvisado, dándose en el contexto de reafirmación de su carrera como artista. De alguna forma, es una metáfora a lo que la banda hizo con este álbum.

La obra expandida

Por ahí se dice que Basquiat fue el último gran pintor de NY, y que The Strokes es la última gran banda de la misma ciudad, así que también podría ser una de las razones (aunque esto ya queda a criterio de cada uno) de la elección de la obra.

Por último, se dice que el título de la pintura tiene que ver con la primera canción del disco, ya que como fue dicho, en ella se habla mal de los corporativos y representantes. En este caso, “Bird” serían los empresarios, y “On Money” significa en inglés “sobre dinero”. Una interesante teoría.

El título

The New Abnormal viene de una cita que hace referencia a una entrevista dada por el ex-gobernante de California Jerry Brown en el año 2018, en donde se refería a los incendios forestales en el estado de su mandato, llamándolos nueva anormalidad.

Si bien desde aquella fecha fue tomado por la banda como el título del disco (ya que ellos estaban en Malibú grabando, una de las ciudades más afectadas), calzó perfectamente con la pandemia del coronavirus en el año 2020 cuando se lanzó al álbum, dándole un nuevo significado.

Conclusión

Habiendo repasado canción por canción, no queda dudas de que The New Abnormal es un gran disco, que con variedad de temáticas y letras, no abandona el estilo característico de The Strokes si no que demuestra una maduración musical y lírica.

Con una cantidad de apenas 9 canciones, pero con un promedio de duración de 4 minutos por canción, la banda dejó en claro que lo importante no es la cantidad, si no que la calidad que se da en cada canción.

The Strokes, hace algunos años.

The New Abnormal es exactamente lo que se presenta en la portada y nombre: confusión, dolor, caos y pasión.

El disco ha sido alabado por los fanáticos e incluso por artistas de renombre, como por ejemplo Billie Eilish. Ella ha mencionado más de una vez que The New Abnormal es su disco favorito de toda la historia, e incluso una vez subió a sus redes sociales grabaciones de covers de las canciones.

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